The Apulian Giuseppe De Nittis was one of the most appreciated and recognised artists in Paris in the second half of the 19th century, thanks also to his relationship with the famous merchant Alphonse Goupil. He was the only Italian artist invited by his friend Edgar Degas to the first exhibition of the Impressionists, organised in the studio of the photographer Nadar in 1974. De Nittis distinguished himself for the views of the cities where he stayed, including Paris and London, delving into the theme of the urban upper middle class, particularly the female figures, in the rapidly changing urban environment from 19th century cities to modern metropolises. The subject presented in this work recurs in several of De Nittis' canvases that often present subjects portrayed from an elevated viewpoint, as the artist depicted scenes of Parisian life inside a special carriage that allowed him to witness, unseen and from a privileged vantage point, city episodes. Worthy of note is the painting's breakthrough to the right, leading all the way to the Arc de Triomphe as a vanishing point that compensates for the captivating figures of the amazon and her friends, sketched with attention to details in the central part of the painting. The painting, signed ‘De Nittis’, depicts a horsewoman riding down a city avenue.

An elderly gentleman plays the guitar for four young people who gather around him to appreciate his virtuosity. The group has clearly just finished a meal, as evidenced by the half-empty glasses and breadcrumbs, which form a refined still life on the white tablecloth. The interior of the house is modest but rich in detail: the cage, the sprig of vegetation growing out of the wall, the globe, the tin box, the scrap of fabric.

At the sketch stage, it is dominated by powerful colours: blacks, yellows and reds. The theme of carnival is one of the most recurrent in Venetian painting, and Giacomo Favretto tackles it with great spontaneity, without getting lost in secondary narrative episodes. The painting depicts the carnival celebrations in Venice, with the Rialto Bridge in the background.

Dating back to 1890, the year in which it won the gold medal at the Boston Exhibition, the work is a female portrait composed with great skill and elegance, emphasising the independent character of the subject – a sort of early feminist manifesto, slightly tempered, in reality, by the habit of Venetian ladies of frequenting cafés alone. In the coquettish pose indicated by the raised little finger, the work contains two themes of the painting of the time: a portrait and a view, that of Venice, which can be seen beyond the window in the background of the painting. The painting can be compared to the slightly earlier portrait “Signora con veletta” (Lady with Veil) from the Bianchini collection in Venice, which depicts the same character in half-length, at the same table in the same café, absorbed in unknown thoughts. The painting depicts a young woman sitting and sipping a cup of coffee during a break from reading the Gazzettino di Venezia newspaper. The woman's bust emerges from the white of the newspaper, which is echoed by the whiteness of the landscape. The woman's dark dress is accented by a bright tartan taffeta bow, while her forehead and eyes are partially hidden by the veil of a hat decorated with satin ribbons.

Quando il dipinto fu esposto alla Biennale veneziana del 1909, il successo della tela fu tale che lo scultore Domenico Trentacoste avanzò la proposta di acquistarlo "per la Galleria" (d’arte moderna di Firenze o di Venezia?) come risulta da un telegramma inviato per l’occasione da Antonio Fradeletto al proprietario del dipinto.
Oggi conosciuto come Pagine d’amore, firmato e datato 1907, è invece indicato come Lettera d’amore in una lista di quindici opere di Tito con relativi prezzi in possesso del gallerista F. Stefani: lista che, allegata a una lettera del 21 maggio 1918, venne da questi inviata a Lazzaro G. B. Frugone. L’opera venne poi acquistata da Luigi che la pagò presumibilmente trentamila lire, prezzo alto di cui il mercante milanese era consapevole, e che denuncia l’ottima fama e l’alta quotazione di cui il pittore godeva nel mercato dell’arte, non solo in ambito nazionale. Assai vicino alle Rappezzatrici del 1903 (sempre lo stesso gruppo di donne, sotto lo stesso pergolato), di cui pare in realtà il pendant, il dipinto rivela appieno il felice virtuosismo pittorico, la costante ricerca di effetti luminosi, di atmosfere vibranti e solari dell’autore, ai quali si accompagna tuttavia un tono bozzettistico, da "cartolina", del soggetto di genere e del taglio compositivo.

L’artista, usando un procedimento dì tipo fotografico, riesce a tagliare l’immagine in modo da far rimanere fuori dalla tela parte del soggetto della ripresa, rendendo così l’effetto del movimento. In questo caso le parti mancanti della imbarcazione in primo piano e di quella che procede a sinistra, sono un mezzo per sottolineare il movimento delle barche, ulteriormente amplificato dall’ondeggiare dello specchio d’acqua e per consentire all’osservatore una sorta dì "presa" diretta sul soggetto.
Attraverso il colore e le forme, l’artista costruisce la profondità della visione, con pennellate che degradano verso il fondo e con l’andamento delle imbarcazioni che, a vele spiegate, si dirigono da destra verso sinistra. La scena è pervasa da una luce dorata che riflette l’arancio delle vele sulla crespatura dell’acqua con piccole e calde pennellate.

L’opera, databile intorno alla fine degli anni Ottanta dell’Ottocento, si può annoverare tra le vedute lagunari di Venezia, quando le marine di Ciardi si arricchiscono di nuovi elementi come le vele delle imbarcazioni.
La veduta, dipinta "con forza, vivacità e sapienza coloristica" è sostenuta da una salda costruzione dello spazio, data dalla barca obliqua in primo piano. Realizzata recuperando un vivace cromatismo, la materia viene trattata, secondo la tecnica della pittura di macchia, sia nelle imbarcazioni in primo piano sia negli edifici all’orizzonte, tradotti attraverso il giustapporsi di macchie colorate che ne ricostruiscono il nitido profilo.

The canvas has a counterpart in the view of the same title, now in the Gallery of Modern Art in Venice. The colours are muted, the square is grey, barely lit by the rays of a pale sun that transforms the pavement, wet from the recent storm, into a mirror, allowing the painter to demonstrate his skill in rendering the effects of light and shadow, in the best Venetian tradition.