La tela trova un suo doppio nella veduta, dallo stesso titolo, oggi alla Galleria d’Arte Moderna di Venezia. Il tono dei colori è tenuto basso, la piazza è grigia, appena illuminata dai raggi di un sole pallido che trasforma in specchio la pavimentazione bagnata dal recente temporale, consentendo al pittore di dimostrare la propria capacità nella resa degli effetti di luce e ombra, come nella migliore tradizione veneta.

 

L’opera, databile intorno alla fine degli anni Ottanta dell’Ottocento, si può annoverare tra le vedute lagunari di Venezia, quando le marine di Ciardi si arricchiscono di nuovi elementi come le vele delle imbarcazioni.
La veduta, dipinta "con forza, vivacità e sapienza coloristica" è sostenuta da una salda costruzione dello spazio, data dalla barca obliqua in primo piano. Realizzata recuperando un vivace cromatismo, la materia viene trattata, secondo la tecnica della pittura di macchia, sia nelle imbarcazioni in primo piano sia negli edifici all’orizzonte, tradotti attraverso il giustapporsi di macchie colorate che ne ricostruiscono il nitido profilo.

 

L’artista, usando un procedimento di tipo fotografico, riesce a tagliare l’immagine in modo da far rimanere fuori dalla tela parte del soggetto della ripresa, rendendo così l’effetto del movimento. In questo caso le parti mancanti della imbarcazione in primo piano e di quella che procede a sinistra, sono un mezzo per sottolineare il movimento delle barche, ulteriormente amplificato dall’ondeggiare dello specchio d’acqua e per consentire all’osservatore una sorta di "presa" diretta sul soggetto.
Attraverso il colore e le forme, l’artista costruisce la profondità della visione, con pennellate che degradano verso il fondo e con l’andamento delle imbarcazioni che, a vele spiegate, si dirigono da destra verso sinistra.
La scena è pervasa da una luce dorata che riflette l’arancio delle vele sulla crespatura dell’acqua con piccole e calde pennellate.

 

Quando il dipinto fu esposto alla Biennale veneziana del 1909, il successo della tela fu tale che lo scultore Domenico Trentacoste avanzò la proposta di acquistarlo "per la Galleria" (d’arte moderna di Firenze o di Venezia?) come risulta da un telegramma inviato per l’occasione da Antonio Fradeletto al proprietario del dipinto.
Oggi conosciuto come "Pagine d’amore", firmato e datato 1907, è invece indicato come "Lettera d’amore" in una lista di quindici opere di Tito con relativi prezzi in possesso del gallerista F. Stefani: lista che, allegata a una lettera del 21 maggio 1918, venne da questi inviata a Lazzaro G. B. Frugone. L’opera venne poi acquistata da Luigi che la pagò presumibilmente trentamila lire, prezzo alto di cui il mercante milanese era consapevole, e che denuncia l’ottima fama e l’alta quotazione di cui il pittore godeva nel mercato dell’arte, non solo in ambito nazionale. Assai vicino alle Rappezzatrici del 1903 (sempre lo stesso gruppo di donne, sotto lo stesso pergolato), di cui pare in realtà il pendant, il dipinto rivela appieno il felice virtuosismo pittorico, la costante ricerca di effetti luminosi, di atmosfere vibranti e solari dell’autore, ai quali si accompagna tuttavia un tono bozzettistico, da "cartolina", del soggetto di genere e del taglio compositivo.

Risalente al 1890, anno in cui vinse la medaglia d'oro all'Esposizione di Boston, l'opera è un ritratto femminile impostato con grande abilità ed eleganza, che sottolinea il carattere indipendente del personaggio – una sorta di manifesto femminista ante litteram, appena smorzato, in realtà, dall'abitudine delle signore veneziane di frequentare da sole i caffè–. Nella posa vezzosa segnalata dal mignolo alzato, l'opera contiene in sé due temi della pittura del tempo: un ritratto e una veduta, quella di Venezia, che si delinea al di là della finestra sullo sfondo del quadro. Accostabile al dipinto è il ritratto "Signora con veletta", della collezione Bianchini a Venezia, di poco precedente, raffigura lo stesso personaggio a mezzo busto, allo stesso tavolino dello stesso caffè, assorta in pensieri sconosciuti. Il dipinto raffigura una giovane donna seduta mentre sorseggia una tazza di caffè, durante una pausa della lettura del Gazzettino di Venezia. Il busto della donna emerge tra il bianco del giornale, che viene ripreso dal biancore del panorama. Sull'abito scuro spicca la nota vivace del fiocco di taffetà scozzese della donna, mentre la fronte e gli occhi sono parzialmente nascosti dalla veletta di un cappello decorato da nastri di raso.

Allo stadio di abbozzo, è dominato da tinte potenti, neri, gialli, rossi. Il tema del carnevale è uno dei più ricorrenti nella pittura veneta e Favretto lo affronta con una grande spontaneità, senza perdersi in episodi narrativi secondari. Il dipinto rappresenta la festa del carnevale a Venezia, sullo sfondo il ponte di Rialto.

Un anziano signore suona la chitarra per quattro giovani che si assiepano attorno a lui per apprezzarne il virtuosismo. Il gruppo ha evidentemente consumato un pasto, come testimoniano i bicchieri lasciati a metà e i resti del pane, che compongono una raffinata natura morta allestita sopra alla candida tovaglia. L’interno della dimora è modesto, ma denso di dettagli: la gabbia, il rametto vegetale che si fa strada dal muro, il mappamondo, la scatola di latta, lo scampolo di stoffa.

 

Datata dall’autore 17 novembre 1904, l’Autunno è una delle numerose tavolette raffiguranti paesaggi nel biellese, realizzati dall’artista direttamente dal vero, in preferenza durante la stagione autunnale o primaverile.
Anche nel paesaggio qui raffigurato Delleani rinnova il gusto per una pasta di colore spessa e densa, suscettibile a essere lavorata con il pennello per dare rilievo alle forme (in questo caso alle nubi), o a essere quasi incisa, utilizzando la punta della matita sul colore fresco, fino a ottenere dei solchi (che qui diventano rami d’albero in controluce).

Proveniente dalla collezione di Luigi Frugone che nel 1925, per ottenerla, cedette quadri di altri artisti, l’opera propone un soggetto ricorrente nel repertorio dell’artista: una figura isolata in un contesto paesaggistico di cui è tuttavia elemento centrale. C’è una perfetta corrispondenza di emozioni e sentimenti tra la figura della contadina e l’ambiente naturale circostante, che rimanda a varie esperienze pittoriche di altri celebri pittori come Costantin Troyon, Camille Corot e Charles Daubigny, apprezzate da Fontanesi durante i soggiorni parigini per visitare l’Esposizione Universale del 1855.
La cornice, assai elaborata, venne commissionata e fatta realizzare a Siena da Ferruccio Stefani, mercante d’arte di fiducia del collezionista genovese. Tela raffigurante un paesaggio campestre.

Realizzato a Gabbro, piccola località a pochi chilometri da Livorno, fa parte di una serie di ritratti che Lega dedica alle donne del paese nell’ultimo decennio dell’Ottocento. Sguardo intenso, malinconico, il volto viene inscritto in un cerchio che esalta il senso di concentrazione su di esso, come se il pittore volesse cogliere il mistero del pensiero della protagonista. Straordinario il gusto cromatico, che trascorre dal bruno della veste e dei capelli al rosso vivo del fiocco, collocato strategicamente al centro della composizione.