Questa scultura, detta anche Madonna Carrega, proviene dal Palazzo di Tobia Pallavicino in via Garibaldi. Si tratta di uno dei capolavori prodotti per Genova dal grande scultore marsigliese, Pierre Puget che nella città, provenendo da Roma, visse una delle stagioni più produttive della sua vita, dal 1661 al 1668, favorendo l’introduzione del barocco nel capoluogo ligure. Questo lavoro, risalente al 1681 circa, dal più alto impatto emotivo, è influenzato dall’opera di Michelangelo (cioè la Madonna di Bruges) e anche dal Bernini. L'artista ha lavorato a lungo a Roma. È interessante notare che il bambino appare come un bambino "normale", grassoccio e colto mentre, felice, cerca l'attenzione di sua madre, mentre Maria guarda in lontananza, certo presagendone il drammatico futuro.

La Crocifissione era lo scomparto centrale di un polittico cui appartenevano, oltre al San Pietro qui esposto, anche il San Nicola da Tolentino e il San Vincenzo Ferrer, attualmente conservati alla Národní Galerie di Praga. L’opera è attribuita al nizzardo Ludovico Brea, uno dei protagonisti della cultura figurativa ligure. La tradizione vuole che sia stata realizzata dall’artista per Biagio de’Gradi nel 1481. In quell’anno infatti Biagio de’Gradi redige il suo testamento, nel quale chiede di essere sepolto nella sua cappella all’interno della chiesa di San Bartolomeo degli Armeni. Nel documento tuttavia non vi è alcun accenno al polittico, forse commissionato dagli eredi, cui spettavano il completamento e la decorazione della cappella. Studi recenti ritengono che il dipinto risalga agli ultimi anni del Quattrocento, come dimostrano le caratteristiche stilistico - formali.
Al luminoso naturalismo di derivazione nizzarda e avignonese e di impronta fiamminga, coerentemente alla formazione di Brea, e alla resa plastica derivata dalla pittura lombarda, e in particolare dal Foppa, col quale Ludovico collabora nella stesura del polittico Della Rovere in Savona (ultimato nel 1490), che caratterizzano le opere precedenti, si aggiungono il mirabile equilibrio della composizione, dato dal rapporto spazio - figure, l’attenzione al gioco di luci e di ombre e l’ampiezza del paesaggio.

Questa tavola può essere datata 1381-1383 e pertanto costituisce un fondamentale documento di passaggio fra le forme pittoriche più decorative adottate dal pittore nei suoi lavori precedenti, delle quali può costituire un buon esempio la Madonna con Bambino della Cattedrale di Ventimiglia, con le preziose lumeggiature dorate del manto della Vergine, e quelle delle sue ultime realizzazioni, più rivolte alla ricerca di effetti volumetrici, come l’affresco con il Giudizio finale conservato in questa stessa chiesa di Sant’Agostino.
I donatori sono probabilmente Nicolò Guarco, doge fra il 1378 e il 1383, e sua moglie Lina di Francesco Onza d’Oro di Coronata.
È firmata Barnabas de Mutina pinxit alla base e purtroppo la data è perduta.

La voglia di rivincita di Genova, sconfitta e scacciata da Acri nel 1258 dai rivali veneziani e pisani, e dell’Impero Bizantino, deprivato della propria legittima capitale in forza della IV crociata, nel 1204, si saldano il 13 marzo 1261 quando viene siglato il Trattato di Ninfeo, finalizzato a garantire all’Imperatore Michele VIII Paleologo l’appoggio della flotta genovese nella riconquista di Costantinopoli e, ai genovesi, l’acquisizione di grandi vantaggi commerciali nel territorio imperiale.
Per suggellare l’accordo, Michele VIII dona ai Genovesi due tessuti: uno che riproduce la sua immagine, e del quale si perdono le tracce, e uno costituito dal magnifico Pallio di San Lorenzo (datato 1261), che narra, in un linguaggio stilistico già preconizzante i modi della cosiddetta “Rinascita Paleologa”, la storia e i martìri dei tre santi occidentali: Lorenzo, Sisto e Ippolito, riproducendo al centro dell’imponente sciamito serico (circa 377 x 132 cm) un'immagine cardine che rappresenta l’Imperatore stesso che, accompagnato da San Lorenzo e dall’arcangelo Michele entra nella cattedrale genovese, dedicata a San Lorenzo stesso.

Firmato e datato 1292, questo affresco decorava l’abside della chiesa di San Michele, andata distrutta. Sono straordinarie la composizione e la coordinazione delle figure intorno al tavolo con gli elementi naturalistici dei piatti e del cibo sulla tavola. Da notare la prospettiva e i tre livelli: la città, i personaggi seduti a tavola e Maddalena ai piedi di Cristo. Da notare anche l’entusiasmo e la passione con cui Maddalena si getta ai piedi del Cristo adorandolo e lavandogli i piedi con balsami profumati.
Manfredino porta le novità della pittura nel modo in cui si stava evolvendo nel cantiere di Assisi, dal quale probabilmente il pittore si trasferì direttamente a Genova, dimorandovi poi almeno per 10 anni.

Questa grande pala d’altare fu dipinta da Gregorio De Ferrari nei primissimi anni del XVIII secolo perché fosse collocata nell’Abbazia di Santo Stefano. Scolastica, fondatrice delle Benedettine è colta durante il momento del suo trapasso: intorno a sé l’umanità di pochi poveri oggetti e in alto, la luminosa promessa di resurrezione per la sua anima portata in cielo dagli angeli. L’opera è considerata uno dei vertici della produzione dell’artista genovese, traduzione in pittura degli straordinari affreschi realizzati nei palazzi genovesi.

Le due statue ritenute a lungo disperse, sono state fortunosamente ritrovate durante la schedatura CEI della chiesa dei SS. Nicolò ed Erasmo di Voltri. Erano state commissionate il 14 febbraio 1726 allo scultore dai confratelli della Compagnia del Carmine per l’altare di S. Sebastiano pagando 110 lire allo scultore e ottanta lire a Gottardo Torre per la decorazione pittorica e la doratura. Esse sono un esempio, in dimensioni contenute, dell’abilità scultorea e scenografica del Maragliano.

Il ciclo è stato ritrovato in una delle stanze private dei Canonici: su una parete a losanghe azzurre e rosse corre un festone con alcuni mesi dell’anno (da gennaio a giugno) connotati dalle specifiche attività lavorative. L’importanza del ciclo risiede nella rarità del soggetto, totalmente a carattere profano con scene trattate con una resa sommaria e veloce. Il Ciclo dei Mesi può infatti essere collocato entro il primo quarto del XIII secolo, durante il grande cantiere della Cattedrale di San Lorenzo.

Il grande dipinto, del 1575 circa, raffigura un momento di grande tensione emotiva, tale da animare i gesti e i volti degli apostoli, sconcertati alle parole di Cristo che denuncia il futuro tradimento. In quest’opera, proveniente dal refettorio del convento di San Bartolomeo degli Armeni, Luca Cambiaso fa sua la lezione leonardesca dei moti dell’animo ma sperimenta anche una composizione animata da un ordine razionale e da una ricerca profonda di simmetria, evidente nella posizione di Cristo, asse della composizione. Luca Cambiaso si inserisce nella scena, sulla destra della vasta tela, colto mentre medita dolorosamente su quanto accadrà, di lì a poco, a Cristo.